Brunelleschi Filippo
ANALISIS
BIBLIOGRAFICO
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
Filippo di Ser
Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de
abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es
conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia
Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta
ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle a la invención
de la perspectiva cónica
Filippo Brunelleschi fue
el iniciador de la arquitectura de estilo renacentista, caracterizado por ser
un momento de ruptura con respecto al estilo precedente: la Arquitectura
gótica, buscando su inspiración en una interpretación del Arte clásico, que se
consideraba el modelo más perfecto de las Bellas Artes.
Fue contemporáneo de Leon
Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio. Giorgio Vasari incluyó la
biografía de Brunelleschi en su obra Vida de los mejores arquitectos, pintores
y escultores italianos
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
Su primera gran obra fue
teórica, al ser el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica, un
sistema de representación gráfico basado en la proyección de un volumen sobre
un plano auxiliándose en rectas proyectantes. Fue un elemento clave de la pintura
renacentista, pues es la representación que más se aproxima a la visión real,
al ser muy similar a la imagen que percibimos de los objetos.
Decidido a ganarse la
vida como escultor, participó en un concurso que consistía en realizar los
bajorrelieves de las puertas del Baptisterio de Florencia, en 1401, en los que
se tenía que representar el sacrificio de Isaac dentro de un marco poli
lobulado; tenía que aparecer Abraham, Isaac, un ángel, dos sirvientes con un
asno, leña y un cordero o una oveja. Quedó en segundo lugar, por no ceñirse a
las bases y hacer un altar que parece estar llevado por el asno, además, el
rostro de Abraham aparecía con expresión irritada; este hecho hizo que se
inclinase por la arquitectura en exclusiva.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
La cúpula de la Catedral
de Florencia o Santa María de las Flores, es su obra más famosa y más
controvertida. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la
iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia. La
catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero
estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero.
Por la altura del
edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente
semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de
fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos
bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de
ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un
reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.
La distancia entre ambas
cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al
gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de fábrica, que más adelante
se recubriría con mármoles, en el cual se abrieron óculos circulares, que
proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que
la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el
interior que en el exterior.
4.
Análisis
crítico: Comentario.
Fue un excelente
arquitecto que gracias a su conocimiento pudo colaborar a los avances científicos
del renacimiento por lo que fue considerado el “Padre del Renacimiento”.
Sus conocimientos han
sido muy útiles para que de generación en generación ese conocimiento se vaya
esparciendo y compartiendo hacia los demás.
Utiliza varias técnicas como
por ejemplo el gótico. Por ello vemos que en sus obras se aplica mucho esta época.
Rafael Alberti
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
Rafael Alberti Merello.
(El Puerto de Santa María, Cádiz, 16 de diciembre de 1902 - El Puerto de Santa
María, Cádiz, 28 de octubre de 1999). Poeta español de la Generación del 27.
En 1917 se traslada a
Madrid, donde abandona el bachillerato por la pintura, que ejerce una gran
influencia en su obra; en 1922 realiza una exposición en el ateneo. Por motivos
de salud se traslada, poco después, a vivir en las sierras de Guadarrama y
Rute, donde empieza a escribir sus primeras poesías, recogidas bajo el título
de Marinero en tierra. Con este libro obtiene el Premio Nacional de Literatura
(1924-25. En sus primeros libros se aprecia claramente la influencia de Gil
Vicente, del Cancionero y Romancero españoles y de otros autores como
Garcilaso, Góngora, Lope, Bécquer, Baudelaire, Juan Ramón Jiménez o Antonio
Machado.
Su poesía es
"popular" -según Juan Ramón Jiménez-, "pero sin acarreo fácil,
personalísima, de tradición española, pero sin retorno innecesario.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
La poesía de Alberti
cobra cada vez más un tono irónico y desgarrado, como los poemas burlescos Yo
era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos(1929), Sermones y moradas
(1929-1930) y la elegía cívica Con los zapatos puestos tengo que morir (1930).
A partir de 1931 aborda el teatro, estrenando El hombre deshabitado y El
adefesio. Posteriormente recorre varios
países de Europa, pensionado por la Junta de Ampliación de Estudios, para
estudiar las nuevas tendencias del teatro.
Sus libros de memorias
cosechan grandes éxitos en las distintas ediciones, cada vez más completas, de
los diferentes volúmenes de su Arboleda perdida. Entre las numerosas
distinciones y homenajes que se le dedican destaca el Premio Miguel de
Cervantes, que le es concedido en el año 1983.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
El hombre deshabitado es
una obra de teatro de Rafael Alberti, escrita como auto sacramental, estrenado
en 1931.
La obra recrea el
enfrentamiento entre el autor (el Vigilante Nocturno) y su criatura. El segundo
asesina a la mujer que el autor le había otorgado como esposa. El autor,
enfurecido, decide acabar con la libertad que su personaje se ha tomado y
ejerce sobre él un paternalismo que resulta ser dictatorial.
4.
Análisis
crítico: Comentario.
Alberti pertenece, junto
con García Lorca, al grupo andaluz de la generación del 27. Lo mismo que Lorca,
es el poeta que echa mano de los elementos populares, pero buscando en ellos un
motivo para el arte. Alberti tiene la agilidad, la gracia y el garbo del hombre
del sur. Es más abierto al ancho mundo que Lorca, que es más localista. Alberti
es intuitivo, con escasa deuda a la Universidad, es la graciosa espontaneidad
frente a la intelectual elaboración de los poetas universitarios del 27. De su
tierra andaluza tomo, al igual que Lorca, lo popular; de la vanguardia toma los
estilos.
Donato Bramante
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
Donato Bramante nace en
1444 en la actual localidad de Fermignano, enclave cercano a Urbino, ciudad
donde se habría formado en el taller del arquitecto Luciano Laurana. Sin
embargo, inicialmente, su aprendizaje podría haber tenido lugar dentro del
ámbito del dibujo y la pintura (tal y como aseguran tratadistas de la talla de
Vasari y Serlio), adjudicándosele incluso la autoría de los frescos de la
fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo (así como algunas otras obras
correspondientes con su etapa milanesa).
A finales del siglo XV se
le puede encontrar en Milán (al servicio de Ludovico Sforza, el cual actuará
como mecenas de Bramante durante el tiempo que permanezca en la Lombardía),
donde llevará a cabo proyectos arquitectónicos como la iglesia de Santa María
presso San Sátiro y Santa María della Grazie, en las cuales queda patente su
interés, ya desde comienzos de su trayectoria, por el espacio y la perspectiva,
además de que constituyen buena muestra de la elegancia y la energía que sus
edificaciones destilarán.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
La obra del arquitecto
italiano Donato Bramante, conocido principalmente por ser el primer diseñador
del plan de la basílica de San Pedro del Vaticano, se sitúa a caballo entre el
Quattrocento y el Cinquecento. Sin embargo, la plenitud de la misma se
producirá una vez que abandone por completo la tendencia decorativa
quattrocentista y se detenga en la plasticidad de la masa, la ordenación del
espacio y el contraste de volúmenes.
Bramante va a desarrollar
en arquitectura la aplicación de leyes teóricas mediante las cuales la ilusión
de perspectiva se convertirá en una "realidad" en sus edificios,
consiguiendo conjuntos que anteceden al Barroco posterior.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
La iglesia de Santa María
(cuyas obras ya estaban comenzadas cuando se hizo cargo del proyecto Bramante)
presentaba un problema de difícil solución y es que el espacio para la
construcción de uno de sus brazos era insuficiente; Bramante solventará dicho
problema mediante la creación de un trompe que procurará la ilusión óptica de
perspectiva. De la segunda de sus creaciones milanesas recibirá encargo hacia
fines del s.XV, hallándose ante la tesitura de conciliar de la manera más
adecuada lo ya existente con lo que en esos momentos construya (finalmente se
decantará por el empleo del mismo ritmo geométrico pero en clave gigante,
consiguiendo un espacio unitario y regular).
4. Análisis crítico: Comentario.
Bramante es considerado
el mejor representante del estilo del Alto Renacimiento en arquitectura,
realizando el diseño de la basílica de San Pedro en el Vaticano por encargo de
Julio II. La mayor parte de su carrera inicial está mal documentada; se formó
probablemente en Urbino, quizás en el círculo de Piero della Francesca, pero
aparece documentado por primera vez en 1477, trabajando en decoraciones al
fresco en el Palacio del Podestá en Bérgamo. La influencia de Leon Battista
Alberti sugiere una indocumentada estancia en Mantua, interesándose también por
las obras de Mantegna. Hacia 1490 se estableció en Milán donde realizó sus
únicas pinturas de atribución segura: unos deteriorados frescos que representan
hombres armados para la casa Panigarola y que se conservan actualmente en la
Galería Brera de Milán.
Andrea Palladio
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
Andrea di Pietro,
universalmente conocido como Palladio, vino al mundo en la ciudad italiana de
Padua un 30 de noviembre de 1508. De familia humilde; apenas con 13 años
ingresaría como aprendiz en un taller de cantería de la ciudad, donde iniciaría
su formación hasta que, en 1523, su familia se instaló en la no lejana Vicenza,
en cuyo gremio de constructores se inscribió Andrea mientras completó su
formación de juventud al amparo de los talleres de Giovanni di Giacomo da
Porlezza y de Girolamo Pitteli.
Llegado a la treintena y
mientras trabajaba en las obras de una villa cercana a Vicenza, Andrea entró en
contacto con Giangiorgio Trissino, humanista y personalidad de gran relevancia
en los ambientes culturales vicentinos, quien lo puso bajo su protección
ayudándolo a completar su formación mediante la financiación de diversos viajes
a Roma, ciudad en la que tuvo la oportunidad de conocer in situ las ruinas
clásicas. Fue precisamente el mecenas Trissino quien acuñó el apelativo de
Palladio para referirse al joven Andrea en evocación a Palas Atenea, diosa
griega protectora de las artes.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
La relevancia de
Palladio: Palladianismo y Neopalladianismo
Tanto su importante
legado constructivo como, sobre todo, su brillante tratado teórico, confirman a
Andrea Palladio como una de las figuras claves de la arquitectura de la Edad
Moderna, hasta el punto de que, pese a que su ámbito de actuación se limitó a
una región concreta de la geografía italiana, sus ideas arquitectónicas
plasmadas en Los Cuatro Libros de Arquitectura trascendieron las fronteras transalpinas,
difundiéndose con notable éxito durante los siglos XVII y XVIII por los
distintos territorios europeos.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
Las Villas Palladianas
Las villas palladianas
son un conjunto de construcciones suburbanas ubicadas todas en el ámbito
geográfico del Véneto italiano que fueron proyectadas en el siglo XVI por
Andrea Palladio. Se distinguen de otro tipo de villas como pueden ser las
romanas o florentinas en que, mientras que éstas fueron concebidas
exclusivamente para el recreo y descanso de sus propietarios, las que nos
ocupan, además de finalidad recreativa, funcionaban como pequeños centros de
producción agrícola.
4.
Análisis
crítico: Comentario.
Fue así como Andrea
Palladio fue alcanzando notable prestigio en los ambientes ilustrados de la
región del Veneto, siéndole encargados numerosos proyectos de palacios y villas
señoriales suburbanas. A la muerte de Trissino y ya con un importante bagaje a
sus espaldas, entabló contacto con Daniele Barbaro, cardenal humanista y
profundo estudioso de la arquitectura antigua, muy especialmente, de los
escritos de Vitrubio.
Masaccio
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
(Tommaso di ser di
Giovanni di Mone Cassai; San Giovanni Valdarno, actual Italia, 1401 - Roma,
1428) Pintor italiano. La carrera artística de Masaccio es interesante,
primero, por la sorprendente relación entre la brevedad de su vida (murió a los
veintisiete años) y la importancia, además de relativa abundancia, de sus
creaciones, y segundo, por su aportación decisiva al Renacimiento, ya que fue
el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica.
Masaccio se trasladó a
Florencia cuando aún era muy joven, y en 1422 figuraba inscrito en el gremio de
pintores de esta ciudad. Nada se sabe de lo que hizo hasta entonces y con quién
se formó. Se le vinculaba tradicionalmente con el taller de Masolino, pero en
la actualidad se cree que no fue en él donde se formó, sino que se incorporó
como colaborador ya formado.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
La expulsión de Adán y
Eva del paraíso terrenal: se compara frecuentemente esta pintura con la de Adán
y Eva en el paraíso terrenal, realizada por Masolino en la pared de enfrente.
Mientras que la obra de Masolino pertenece todavía al gótico, en la de Masaccio
está ya presente el Renacimiento. El tratamiento del desnudo remite a modelos
de la Antigüedad (para Adán, se ha pensado que Masaccio pudo haberse inspirado
en estatuas de Marsias o de Laoconte; para Eva, alguna de las venus púdicas
romanas). El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y
el vientre contraído de Adán, que toma aire.
El tributo: se describe
la escena narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo al ser solicitado a Jesús
y sus discípulos en Cafarnaúm el pago del tributo para el templo, éste ordena a
Pedro que pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
Masaccio representa en un
solo espacio tres acontecimientos sucesivos. La escena se divide en tres
partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja,
solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el
apóstol repite, lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena aparece
Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la
derecha, finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un edificio en
perspectiva. Se ha relacionado esta escena con los nuevos intereses marítimos
de Florencia (no hay que olvidar que el comitente de la obra, Felice Brancacci,
había sido cónsul del mar): la idea que se sugiere, entonces, es la del mar
como fuente de ingresos para la República. Algunos autores han señalado
intervenciones de Masolino en esta pintura. Argan sugiere otra interpretación
del tema: «Masaccio es demasiado culto y demasiado humanista como para no
entender el significado profundo del tema: sólo a Pedro, como jefe de la
Iglesia, corresponderá tratar con el mundo, con los poderes terrenales.
4.
Análisis
crítico: Comentario.
Era una figura
prácticamente desconocida, pero su obra no tardó en proyectarlo al primer plano
de la actualidad y ejerció una gran influencia durante el Renacimiento.
Paolo Ucello
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
(Paolo di Dono;
Pratovecchio, actual Italia, 1397 - Florencia, 1475) Pintor italiano. La
primera noticia documental que se tiene de Paolo Uccello es de 1412 y lo sitúa
en el taller de Ghiberti, donde debió de formarse, aunque no consta que fuera
escultor.
En 1425 estaba en Venecia
trabajando en unos mosaicos para San Marcos, que no se conocen. En 1432, de
nuevo en Florencia, Paolo Uccello realizó el luneto de la Creación en el
Claustro Verde de Santa Maria Novella, una obra llena de expresividad pero
todavía algo tosca.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
La obra que plasma con
mayor elocuencia esta atracción por la perspectiva, y también la más admirada
de Uccello, son las tres tablas de La batalla de San Romano (un enfrentamiento
armado entre Florencia y Siena), donde las armas rotas, los cadáveres y las
patas de los caballos aparecen situados en un escenario enmarañado y complejo.
También en la Caza
nocturna los caballos y los perros parecen alejarse hacia el interior del
cuadro, mientras que en San Jorge y el dragón la perspectiva da la impresión de
estar sometida a efectos de decorativismo.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
Su primera obra maestra
corresponde al año 1436: el enorme fresco para la catedral de Florencia en el
que representó al condotiero Giovanni Acuto; la figura del condotiero a caballo
es poderosa y está bien definida, pero lo que da la medida de su genio es el
escorzo del cofre situado sobre una ménsula. En este escorzo se advierte ya la
fascinación que sentía Uccello por la perspectiva, que es de hecho el rasgo
esencial de su obra pictórica, lo que da a sus realizaciones una singular
originalidad e incluso algunas notas de excentricidad por los extremos a los
que llevó los efectos de profundidad. Vasari lo presenta como un fanático de la
perspectiva, a la que consideraba su «amante más dulce».
4.
Análisis
crítico: Comentario.
A Uccello se le atribuyen
también numerosas obras al fresco en diversas ciudades italianas; las mejor
documentadas de todas ellas son las escenas del Antiguo Testamento para el
Claustro Verde de Santa Maria Novella (Florencia), en la actualidad muy
deterioradas. Según Vasari, su amor a los animales, en particular a los
pájaros, le valió el sobrenombre con el que se le conoce.
Fra Angelico
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor
(Guido o Guidolino di
Pietro; Vicchio di Mugello, hacia 1395 - Roma, 1455) Pintor italiano. No se le
atribuye ninguna obra hasta 1420 (relicarios para Santa Maria Novella). Se orientó
hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la dulce luz
florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza
de los volúmenes. Todas estas cualidades aparecen con gran evidencia en sus
obras fundamentales: Descendimiento (c. 1440), Lamentación sobre el cuerpo de
Cristo (1440-1445), La coronación de la Virgen (antes de 1445), la serie de
pinturas realizadas para las celdas del convento de San Marcos de Florencia y
La Anunciación del Museo del Prado. Las virtudes espirituales del pintor
armonizan con la frescura y la delicadeza de sus coloridos, con la elegancia
del dibujo y con esa manera tan suya de ocupar el espacio con el mínimo de
medios y de efectos.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
Fue llamado Angélico por
su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria
devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el
"Beato Fra Angélico".
Fra Angélico combinó la
elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico internacional de
Gentile da Fabriano, con el estilo más realista de otros maestros del
renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que
trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de
León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy
logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad
emotiva a la obra.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
Su maestría en la
creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la
capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal,
especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los
pintores más importantes del primer Renacimiento.
En el Museo del Prado de
Madrid se conserva una de sus obras más representativas: La Anunciación
(1430-1432), realizada para el convento dominico de Fiesole. El Museo
Thyssen-Bornemisza posee La Virgen de la humildad, depositada en el MNAC de
Barcelona. Los duques de Alba poseen en el Palacio de Liria otra obra de Fra
Angélico, La Virgen de la granada, adquirida por un antepasado suyo en
Florencia hacia 1816.
4. Análisis crítico: Comentario.
Aunque no tuvo discípulos
directos, su aportación al desarrollo de la pintura renacentista fue
considerable.
Sandro Boticelli
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
(Alessandro di Mariano
Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy valorado en la
actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del
Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el
realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia
y un cierto sentimentalismo.
Uno de ellos fue Filippo
Lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli. Éste comenzó su
trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes
que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
Fue toda una novedad en
aquella época realizar obras de gran formato que no fueran de temática
religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas con la
filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las obras
encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de enorme complejidad,
que van mucho más allá de su gracia evocadora.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
En estas obras la
influencia del realismo gótico está atemperada por el estudio que Botticelli
hace de la Antigüedad. Pero aunque pueda comprenderse desde el punto de vista
pictórico, los temas en sí siguen siendo fascinantes por su ambigüedad. Los
complejos significados de estas pinturas siguen recibiendo atención de los
eruditos, centrándose principalmente en la poesía y la filosofía de los
humanistas contemporáneos del artista. Las obras no ilustran un texto en
particular; más bien, cada una de ellas se basa en varios textos para su
significado. Sobre su belleza, caracterizada por Vasari como ejemplificadora de
la "gracia" y por John Ruskin como poseedora de ritmo lineal, no
puede haber dudas.
4. Análisis crítico: Comentario.
Eclipsado por las grandes
figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido ignorado durante
siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX.
Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de los artistas formados en su
taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi, Filippino Lippi.
Andrea Mantegna
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
(Isla de Carturo, actual
Italia, 1431-Mantua, id., 1506) Pintor italiano. El pintor Francesco Squarcione
lo tomó a su cargo en calidad de hijo adoptivo y lo introdujo en el arte de la
pintura. Pero cuando contaba diecisiete años, Mantegna, que no quería seguir
trabajando para su mentor, le obligó por vía legal a concederle la
independencia.
El joven pintor ya tenía
entonces una personalidad claramente definida, como lo demuestran algunas de
sus primeras obras, entre ellas el Retablo de san Zeno (Verona) y la Oración en
el huerto.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
En el Retablo de san
Zeno, los tres elementos plásticos fundamentales (dibujo, luz y color) están
perfectamente definidos, como es habitual en toda la obra de Mantegna; además,
los colores son vivos e intensos, destinados a precisar con fuerza el volumen
de las figuras.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
Aún más famosa es la
Oración en el huerto, sobre todo por el escorzo de la figura situada en primer
término (Mantegna ha pasado a la historia del arte, en gran parte, por sus
magistrales escorzos), y también por el magnífico empleo de la perspectiva,
insuperable en aquella época. Otra de las características de su estilo, la
ubicación de las escenas en el marco de arquitecturas antiguas, alcanza un
elevado nivel de perfección en el San Sebastián del Louvre.
4.
Análisis
crítico: Comentario.
Andrea Mantegna es uno de
los grandes creadores del Quattrocento italiano. Natural de Isola di Cartura,
entre Padua y Vicenza, vio la luz hacia 1431, formándose en Padua con el pintor
Squarcione - apasionado estudioso de la época romana y coleccionista de objetos
arqueológicos, afición que heredó el propio Andrea - quien le consideró su hijo
adoptivo.
Leonardo Da Vinci
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
Nació en 1452 en la villa
toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco
después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario
florentino. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estados como Florencia,
pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el
papa. El Imperio romano de Oriente cayó en 1453 ante los turcos y apenas
sobrevivía aún, muy reducido, el Sacro Imperio Romano Germánico; era una época
violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
Interesado
por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida, los apuntes
que dejó Leonardo (escritos de derecha a izquierda y salpicados de dibujos)
contienen también incursiones en otros terrenos artísticos, como la música (en
la que destacó tocando la lira) o la literatura. Según su criterio no debía
existir separación entre el arte y la ciencia, como no la hubo en sus
investigaciones, dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía
humana (avanzando en el conocimiento de los músculos, el ojo o la circulación
de la sangre), la zoología (con especial atención a los mecanismos de vuelo de
aves e insectos), la geología (con certeras observaciones sobre el origen de
los fósiles), la astronomía (terreno en el que se anticipó a Galileo al
defender que la Tierra era sólo un planeta del Sistema Solar), la física o la
ingeniería.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
En este retrato la dama
está sentada en un sillón y posa sus brazos en los brazos del asiento. En sus
manos y sus ojos puede verse un ejemplo característico del esfumado y del juego
que el pintor hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen
4. Análisis crítico: Comentario.
(Vinci, Toscana, 1452 -
Amboise, Turena, 1519) Artista, pensador e investigador italiano que, por su
insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado
del sabio renacentista.
Miguel
Ángel
1.
Análisis
bibliográfico: Vida del autor.
(Miguel
Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 -
Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a
Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya
excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y
cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser
excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.
2.
Análisis
formal: Composición, tendencia y técnica.
Durante
los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual
la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en
cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones
de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse
la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor
físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes
en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad
inimitables.
3.
Análisis
simbólico de la obra: Significado, lo que expresa.
En 1496 se trasladó a
Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la
Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es
una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría
técnica. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos,
entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que
representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo
renacentista.
4.
Análisis
crítico: Comentario.
Miguel Ángel es el
artista con mayúsculas; pintor, escultor y arquitecto, su personalidad es tan
fuerte que define los cánones del genio.
Sus obras son de gran
importancia en la historia del arte ya que son realizadas con la perfección que
le caracteriza a él.
Sus obras han sido
fundamentales para que de generación en generación sus conocimientos se
transmitan a los nuevos artistas y así creen obras de trascendencia como las
suyas.
