PRIMERA EXPOSICIÓN:

GRANDES MAESTROS DEL ARTE POPULAR IBEROAMÉRICA COLECCIÓN FOMENTO CULTURAL BANAMEX

ANÁLISIS BIBLIOGRÁFICO

En esta exposición están representadas cerca de 50 etnias y más de 260 poblaciones que abarcan una gran parte del territorio de Iberoamérica, con la presencia de los grandes maestros de 22 países que nos muestran con sus magnas piezas el papel que desempeñan en el arte popular de la región.

Entre los maestros más importantes a mi parecer, por su manera de haber llegado a cautivarme serian:

·         Juana Gómez (con su obra “jaguares”)

·         Alfonso Soteno Fernández (con su obra “Entierro de Calaveras”)

·         Oscar Soteno Elías (con su obra “Árbol de las artesanías de Iberoamérica”)

·         Leonardo Linares Vargas (con su obra “ Catrina”)

·         Eduardo Sánchez Rodríguez (con su obra “Virgen de Guadalupe”)

Todos estos maestros son de origen mexicano y a pesar de existir otros maestros de distintos países de la región estos fueron los que me cautivaron.

ANÁLISIS FORMAL

En esta exposición se destaca a las piezas tanto como productos culturales que reflejan tradiciones, sentimientos, pensamientos y acciones de determinados grupos, pero también como objetos intrínsecamente bellos por sí mismos.

Piezas que son auténticas obras de arte que poseen un aspecto técnico, un minucioso proceso de elaboración y un contenido, pero también son reflejo de la expresión y la sensibilidad artísticas.

La tendencia va dirigida hacia un solo fin, que todos estos artesanos  transmitan un vínculo especial entre los materiales y su trabajo. La manera de encontrar un equilibrio entre hombre-obra.

Las técnicas utilizadas en esta exposición son las siguientes:

·         Barro: Es quizás la rama artesanal más difundida en Iberoamérica y la que cuenta con una mayor variedad de ejemplos.

·         Madera: El trabajo de la madera se vio estimulado por las enseñanzas de los misioneros que llegaron a América.

·         Metales: Se trabaja sobre todo el oro y la plata. Además, gracias al estímulo de los misioneros se promovió la forja de hierro y el trabajo del cobre.

·         Piel: La utilización del cuero crudo de potro.

·         Piedra: La variedad de piedras utilizadas es muy grande.

·         Papel: Son muchas las maneras en las que el papel es trabajado por los maestros del arte popular.

·         Fibras Vegetales

·         Textiles.

ANÁLISIS SIMBÓLICO

Los autores junto con sus obras buscan transmitir las características y costumbres de cada pueblo al que están representando, dándole un toque de identidad y relevancia a cada obra.

Podemos ver que utilizan desde el barro hasta las fibras para realizar textiles esto nos quiere mostrar que el arte va de la mano con la evolución del hombre, ya que todas sus técnicas han cambiado con el pasar de los años.

Es importante señalar que cada obra muestra su propio estilo.

Para los autores de estas obras cada una contiene un sentimiento muy profundo y eso nos quiere transmitir el maestro a nosotros.

Además muchas obras contienen gran contenido de carácter religioso, por lo que podemos determinar que muchos de los artistas están muy ligados a la fe.

Lo que expresan en cada detalle que contienen sus obras nos invitan a la reflexión ya que podemos admirar el esfuerzo y dedicación de los autores para llegar a transmitirnos un mensaje claro.

La cultura Iberoaméricana es muy amplia y llena de grandes encantos por descubirir al igual que su arte, y principalmente el Arte Popular ya que este es el que contiene las tradiciones y costumbres de los pueblos.

ANÁLISIS CRÍTICO

A mi parecer todas las obras expuestas son de mucha importancia y contienen un gran significado histórico y cultural, pienso que hemos podido contemplar cuales son las costumbres y tradiciones de otros pueblos y asi aprender mas sobre ellos.

Todas las obras estaban realizadas de una manera perfecta, sus acabados resaltaban aun mas, toda la exposición era fácil de comprender y entender para un estudio futuro.

Cada obra marcaba su propio estilo pero lo que me parecio muy interesante es que a pesar de cada una tener su propio estilo, todas juntan las características para ser obras de los grandes maestros del arte popular.

Me parecio una exposición muy interesante y muy importante ya que vale la pena ir y aprender mas sobre el Arte Popular de Iberoamérica.

PORTAFOLIO FOTOGRÁFICO

A continuación les mostraré lo que a mi parecer me pareció más importante de la exposición:

BIBLIOGRAFIA:

·         CENTRO CULTURAL METROPOLITANO 

SSEGUNDA EXPOSICIÓN:

EXPOSICIÓN PICTÓRICA “COSMÉTICA DEL CAOS”

ANÁLISIS BIBLIOGRÁFICO

MARÍA ISABEL CASTRO

Nacida en Barranquilla, Colombia, realiza sus estudios superiores en Diseños de Interiores en su ciudad natal. Recién graduada ejerce ya la docencia universitaria, y es fiel espectadora y seguidora de las propuestas artísticas que se viven en ese momento; encuentra en ese entorno los mejores ambientes para que su trabajo silencioso y autónomo en el arte comience a formalizarse.

Con el deseo de ampliar sus conocimientos, viaja a Ciudad de México; paralelamente a sus estudios de Diseño Gráfico, marca un énfasis en el conocimiento del Arte y estudia con esmero la cultura mexicana.

Es allí donde realiza sus primero lienzos de gran formato, plasmado en ellos el bagaje cultural impregnado en su memoria, que no se desvincula del carácter caribeño.

Finalmente se radica en  Ecuador, donde su producción ha dado sus mayores frutos en el arte.

En Quito encuentra el entorno, el tiempo y el espacio propicios para una imparable producción artística.

ANÁLISIS FORMAL

Quizá la reducida definición actual del término “cosmética” puede provocar equivocaciones respecto a su transcendencia o no.

Nuestros antepasados la ubicaron en distintos entornos: la salud, la medicina y la religión.

Es decir que era el reflejo de un bienestar del ser con el cosmos.

Su composición se basa en varios aspectos, los cuales tienen un significado muy importante; ella dice “…En la historia del arte existe la necesidad de estructurar una dualidad indivisible artista –observador en el momento crucial de su interrelación con la obra de arte. Esa necesidad de explicar el Arte desde ese preciso momento, implica que el observador es quien formula el sentido y extiende el valor del artista desde su arte, y en coincidencia con Duchamp podemos entender que:

“Quien mira es quien hace el Cuadro”

Su tendencia se basa en lo que cada persona piensa, cada persona tiene una manera de interpretar sus cuadros.

La técnica utilizada en sus cuadros es la siguiente:

Pintura en lienzo-Lacado-Acrílico.

ANÁLISIS SIMBÓLICO

Estas obras llamaron mucho mi atención ya que en cada cuadro todos los que estábamos ahí pensábamos diferente, nuestros cerebros veían y pensaban diferente, esto nos quiere demostrar que todo depende de cada persona.

La psicología influye mucho en las obras ya que por medio de esta se pueden identificar los distintos estados de ánimo de las personas y esto puede incidir en la manera en la que observamos los cuadros.

Los cuadros contienen un carácter muy profundo que nosotros debemos averiguarlo.

Pueden parecer solo trazos de líneas y mezclas de colores pero su contenido tiene gran significado.

Las pinturas transportan, crecen, se mueven, y al igual que los seres vivos se dejan querer u odiar, sorprender o sospechar, atraer o desagradar, entender o ignorar.

“Quien mira es quien hace el cuadro”

Esa enriquecedora dinámica comunicacional es evidente en la presente muestra, donde para cada espectador existirá un cuadro, un tema, un sentido que lo identifique.

En ese momento se produce un descubrimiento del valor de la imagen que se admira, rescata, niega o banaliza.

Estas pinturas se pueden entender como el arte; el arte es conocimiento que enfrenta nuestra emocionalidad y racionalidad.

ANÁLISIS CRÍTICO

Me pareció una exhibición muy interesante, ya que pude entender de que cada persona es diferente y relativo a las pinturas expuestas puedo decir que lo que decía la artista tiene razón, existe un cuadro distinto y único para cada persona.

La persona se une con el cuadro que ella cree que comprende su situación, un cuadro con el que se identifica.

Sus cuadros me parecieron un poco abstractos pero al final entendí su significado y pude comprender mejor la exposición.

María Isabel entiende el arte desde un concepto muy profundo en el que se une la razón, los sentimientos de la persona y la psicología. Todo esto para encontrar un fin en común, el cual sería que las personas mediante sus cuadros puedan identificarse y de alguna manera tratar de corregir lo que les este afectando.

PORTAFOLIO FOTOGRÁFICO:

A continuación se mostrará la constancia de la visita respectiva junto a las obras que a mi parecer me parecieron más importantes e imponentes:

TERCERA EXPOSICIÓN:

OCCHIO MOBILE LENGUAJES DEL ARTE CINÉTICO ITALIANO AÑOS 50’-70’

ANÁLISIS BIBLIOGRÁFICO

En esta exposición se mostraba el trabajo de diversos artistas italianos que con sus obras trataron de revolucionar el lenguaje del Arte Cinético Italiano de los años 50’-70’.

Entre los artistas más importantes tenemos a:

·         Alberto Biasi (Padua, 1937) con sus obras: “Óptico dinamico” de 1964

“Óptico dinamico” de 1966

·         Toni Costa (Padua, 1935) con su obra “Dinámica Visual. Blanco de 1968

·         Marcello Morandini (Mantova, 1940) con su obra “ Estructura triangular” de 1974

·         Etc.

ANÁLISIS FORMAL

La composición de las obras se basaba en el lenguaje o los lenguajes del Arte Cinético Italiano de los años 50’-70’. Principalmente en principios de positivo-negativo, ilusiones ópticas, etc.

La tendencia de los artistas era crear algo nuevo que sea novedoso y que ante todo llame la atención de los visitantes. Casi todos mantenían los mismos principios solo variaban pequeñas cosas que a la final no afectaban con la estética de la exposición.

La técnica que utilizaron en la mayoría de los casos o quizás solo en algunos seria:

·         Relieve en PVC sobre madera

·         Relieve en PVC sobre tabla

·         Madera laqueada

·         Acrílico sobre tabla, entre otras cosas.

También se pudo apreciar varios diseños de vestidos que llamaban mucho la atención por cómo estaban diseñados, estas prendas tenían el principio del positivo-negativo fundamental el blanco y negro.

ANÁLISIS SIMBÓLICO

Las obras trasmitían mucha curiosidad,  mucha intriga por aprender más y más como se les ocurrió a sus creadores realizarlas.

Tenían un mensaje de cambio de la edad antigua a la edad moderna.

La mayoría de inventos hacían alusión a lo que se vendría en el futuro, los cambios que se podían presentar, entre otras cosas.

Cada artista plasmaba de manera distinta cada uno de sus cuadros, ninguno tenía un significado igual, cada cuadro se caracterizaba por ser totalmente único.

ANÁLISIS CRÍTICO

Me pareció una exposición muy interesante ya que desde que empezamos el recorrido era un juego que nuestra mente estaba realizando, m e cautivo las distintas ilusiones ópticas que se formaban de los distintos cuadros, los cuales estaban realizados de manera perfecta, tenían un acabado muy bueno y sin duda alguna llamaban la atención.

La exposición estaba dispuesta en tres pabellones: en los dos primeros los autores se basaban se podría decir en pequeños juegos mentales para tratar de confundirnos.

Y en el tercer pabellón se mostraban cuadros muy coloridos que atraían al espectador y en un cuarto siguiente se encontraba una pequeña exposición de moda, la cual también era muy interesante ya que utilizaba el positivo-negativo fundamental (blanco-negro)

Pude apreciar varios principios del diseño básico como:

·         El positivo-negativo

·         El crecimiento y decrecimiento de las figuras.

·         Principios de utilización de los colores.

·         Adecuación de espacios, entre otras cosas.

Esto me llamo mucho la atención y pude comprender mejor la exposición.

PORTAFOLIO FOTOGRÁFICO